Tienda especializada Armani 5a Avenida: Massimiliano y Doriana Fuksas

Giorgio Armani inauguró en febrero de este año una tienda en la calle más emblemática de Nueva York, la Quinta Avenida. Después de Hong Kong Chater House y Toyo Ginza Tower, Armani 5ª Avenida completa la trilogía de las tiendas Armani. Entre los invitados a la inauguración se encontraron Alicia Keys, John Mayer, 50 Cent, Victoria Beckham y Josh Hartnett.



La tienda fue diseñada por el despacho de arquitectos de Massimiliano y Doriana Fuksas y el propio Giorgio Armani, y tiene como un gran acierto el usar un elemento de servicio como lo es la escalera, convirtiéndolo en un ícono de diseño, que ordena el espacio y le da dinamismo.







En la 5a Avenida conviven armoniosamente la historia y tradición con lo ultramoderno, el proyecto conforma un edificio lleno de luz completamente construido en vidrio y acero, la fachada exterior simula movimiento a través de imágenes y sombras que son proyectadas sobre un conjunto de hileras de leds, formándose así conjuntos de edificios, en un paisaje nocturno, esta pantalla, facilita la transición entre el espacio interior sobre el exterior, la fachada rinde un muy especial tributo a la ciudad de Nueva York.







El proyecto cuenta con 50 metros de largo y 14 metros de alto, es de 4 pisos que están distribuidos de la siguiente manera: La primera planta está dedicada a las colecciones de mujer, incluyendo cosméticos y perfumería de lujo. En la segunda podremos encontrar todo para el hombre con un área VIP para los clientes más exclusivos de ambos sexos. En la planta más alta habrá un restaurante bar con una iluminación estratégica, puesto que ira coronada por un filtro de color desde el que se puede apreciar la ciudad de Nueva York.







El edificio es concebido bajo una idea muy sencilla, proveer al espacio de una comunicación continua por medio de una escalera diseñada como un torbellino, donde las formas curvas le otorgan al espacio continuidad y unidad. La escalera es una estructura interior de acero recubierta con un material plástico que resalta su imagen escultórica.





De la página Simbiosis News tomamos las plantas arquitectónicas, donde queda de manifiesto la plasticidad de la escalera, así como el lugar preferencial que ocupa en el proyecto, la plastica del diseño es impresionante.












El concepto arquitectónico parte del exterior de la tienda, considerando que la gente de la 5a avenida muestra gran dinamismo al transitar, la tienda de Armani, atrae a la gente por medio de un gran torbellino visual, que además es el elemento organizador del espacio, gran concepto, magistralmente manejado y bien materializado por Massimiliano y Doriana Fuksas.

Para saber más:Massimiliano y Doriana Fuksas Architects
Información e Imágenes tomadas de: Dezeen
Fotos y Derechos reservados: Massimiliano y Doriana Fuksas
Imágenes derechos reservados: Flickr

Armani / 5th Avenue Store Build Time Lapse

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Iglesia del Jubileo Richard Meier

Para celebrar el gran jubileo del año 2000, surge el proyecto “50 iglesias por Roma”. En el año de 1995 se convocó a un concurso internacional para construir la iglesia parroquial de Dios padre misericordioso, en el que participaron grandes arquitectos como Tadao Ando, Frank Gehry, Peter Eisenmann, Santiago Calatrava, Gunter Behnisch y el que fue el ganador el arquitecto Richard Meier.

El Jubileo es un quincuagésimo aniversario, un año especial que se celebra con alegría en la Iglesia. Es una celebración llena de gozo que tiene sus orígenes en la Historia Sagrada. El Jubileo se celebra cada veinticinco años por decreto del Papa Clemente VI.
La construcción fue otorgada al Arquitecto Richard Meier en 1996 empezando su construcción en 1998, terminándose en el año 2003.

El concepto arquitectónico parte de la forma de una nave que recuerda a la “barca de Pedro”, en la tradición cristiana la barca ha representado a la iglesia como el pueblo de Dios guiado por Pedro el Papa.

La capilla está compuesta por tres paredes curvas a manera de velas de un barco, siendo la mayor de ellas la que está más centrada en el edificio y que cuenta con una altura de 26 metros de altura, y en los espacios intermedios hay cristaleras que permiten una gran luminosidad en el interior del edificio. Dios es la luz del mundo y en esta iglesia la luz es el componente fundamental. Las tres paredes representan también a la Santísima Trinidad.

El interior goza de una increíble luz natural, la pared frente a la pared curva está recubierta de madera y el mobiliario simple dando sensación de tranquilidad por la suavidad de sus formas. En algún momento del día un rayo de luz entra e ilumina el crucifijo del siglo XVII del presbiterio.
El altar representa la barca donde Jesús que se identifica con la “luz del mundo” predicaba, la eucaristía es el motor que mueve la barca.

En el exterior se puede ver cinco campanas que representan a cada uno de los continentes la primer campana representa a Europa, la segunda a América, la tercera a Africa, la cuarta a Oceanía y la quinta se dedica al continente asiático.

Entre las cosas curiosas de esta Iglesia está el hecho de que fue construida en medio de un suburbio situado al este de Roma llamado Tor Tre Teste, y que el hormigón utilizado es una mezcla especial que garantiza una blancura especial, aun con las inclemencias del tiempo o la polución, esto es muy importante por el color blanco además de transmitir pureza y espiritualidad, además es uno de los rasgos más característicos de Richard Meier.

Para saber más:
http://www.diopadremisericordioso.it/Portale%20in%20italiano.html

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El Museo Itinerante de Chanel de Zaha Hadid

De la mano del gran diseñador alemán Karl Otto Lagerfeld que actualmente dirige la casa de modas francesa Chanel, surge el proyecto “Mobil Art”, que contempla la inauguración de una exposición de obras de arte realizadas ex profeso para este espacio y que parten del lenguaje visual empleado por Coco Chanel.

La propuesta plástica contempla también la creación de un museo “itinerante” que albergará dichas obras, el cuál fue asignado a la Arquitecta iraquí Zaha Hadid (galardonada con el premio Pritzker en el año 2005).

El proyecto consiste en la presentación de un espacio “desmontable” de más de 700 m2 que promete ser en sí mismo una “experiencia artística”, ya que dejará de ser el clásico edificio que albergará obras de arte en su interior y se convertirá en el eje rector de la exposición.

El diseño espacial fue concebido a manera de película, (cuadro por cuadro), vivida tridimensionalmente. La película se presenta al visitante cuando este transita el espacio. Las “cualidades” cinematográficas del espacio, son explicadas por Fabrice Busteau, curador de la exposición que comenta lo siguiente: “… el curador es el director del film, los actores son las obras de arte, y los escritores son los artistas. Así también, hay un director de fotografía quien también es el director de arte: Zaha Hadid...”

Arquitectónicamente podemos hablar de una fusión en la que el estilo deconstructivista, orgánico “pop” de Zaha Hadid conforma el marco ideal donde resaltan las obras basadas en el lenguaje visual de Coco Chanel.

Concebir el espacio como una “película” implica forzosamente que el visitante debe seguir un recorrido organizado linealmente, lo cual Zaha resolvió eficientemente diseñando el espacio como un “bucle” o “loop”, que inicia y termina en el mismo punto y que no es posible abordarlo en partes intermedias.

El concepto arquitectónico retoma un elemento emblemático para la casa Chanel: la gardenia blanca, el edificio representa entonces esta flor, y el recorrido, da la sensación de estar dentro de la gardenia, dicho de otra manera, la casa Chanel se abre ante nosotros y nos permite conocerla de manera intima.

El interior del museo muestra una arquitectura totalmente orgánica, donde no hay paredes verticales, todas se curvan. La complejidad de la geometría fue resuelta paramétricamente y no sigue la geometría tradicional, la estructura puede ser rápidamente desarmada y apilada para trasladarla a otro lugar sin complicaciones.

Al interior, el museo no tiene líneas rectas, lo que provoca un espacio dinámico, ya que el visitante no encuentra puntos de referencia, generándose un espacio en constante movimiento que refleja la propuesta estética que, durante los últimos años ha promovido los valores y el lenguaje visual de la firma de modas Chanel.
En esta exposición colaboraron más de veinte artistas, originarios de diversas partes del mundo, que diseñaron piezas, a partir del bolso “matelasse” ícono representativo de la casa Chanel en todo el mundo.

Los artistas que participan son: Blue Nose, Daniel Buren, David Levinthal, Fabrice Hyber, Leandro Elrich, Lee Bul, Loris Cecchini, Michael Lin, Nobuyoshi Araki, Pierre y Gilles, Sophie Calle, Soja Tao, Stephen Shore, Suboth Gupta, Sylvie Fleuri, Tabaimo, Wim Delvoye, Yang Fudong, Yoko Ono, Y.Z. Kami y Stephan Crasneanscki.

Se tiene planeado que la exposición recorra a partir de enero del 2008, las ciudades más importantes del mundo, como Tokio, París, Nueva York, Hong Kong, Los Ángeles, Londres y Moscú.

Para saber más: http://www.chanel-mobileart.com/?lang=es_eu

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